André BRETON analiza la relación entre los hombres y la belleza del arte.

André Bretón (1896.1966)

Manuscrito autógrafo firmado – À L’ŒIL NU

Seis páginas en -4° sobre papel crema.

París. Marzo de 1952.

“A menudo me digo que este ojo abierto de la juventud sigue siendo el único bueno. »

André Breton analiza la relación entre los hombres y la belleza de las obras pictóricas. Invocando la mirada moderna de la juventud, recuerda sus primeros amores artísticos, algunas obras maestras de su colección y, de Picabia a Picasso, de Braque a Modigliani, los grandes maestros que lo influyeron y guiaron en la búsqueda de la Belleza.

Este texto fue publicado con el título "A ti te toca hablar, joven vidente de las cosas", en la revista del siglo XX, en junio de 1952. Adjuntamos las siete páginas de pruebas corregidas y firmadas por Breton.

__________________________________________________________________

A simple vista

“¡Cómo no mantener el ojo que tenía a los diecisiete o dieciocho años para aquellas obras plásticas entonces nuevas, enfrentando críticas e intolerancia casi unánimes! El encuentro con estas obras, incluso con mediocres reproducciones fotográficas de ellas, me elevó, me parece, por encima de mí mismo, me ofreció la visión más estimulante de lo posible que, naturalmente, sólo era incapaz de descubrir desde la distancia que era. el cierto . Dije hace mucho tiempo que era incapaz de considerar un cuadro más que “como una ventana cuya primera preocupación es saber a qué mira ” y se puede imaginar que con esto quería decir: “En cualquier caso, nada de apariciones actuales. » [ ^* Rimbaud]. La primera condición del placer –ya sea que se sintiera en la luz o en la oscuridad– era que hubiera una revolución en estas apariencias, que fuéramos transportados fuera (lo más posible) de la vida convencional. Estaba lejos de haber explorado las teorías que abundaban en la época (eran 1913-1914) y, sin conexión alguna con ningún ser en el mundo que compartiera mis gustos, ni siquiera supe defenderme de la acusación de " esnobismo." Desde entonces, la racionalización crítica nos ha proporcionado a mí y a otros buenas razones para amar lo que yo amaba y lo que ellos abominaban. Me felicito por ello sin ningún otro transporte, como haber vivido.

Sin embargo, a menudo me digo que este ojo abierto de la juventud (abierto a lo que aún no es pero que, oscuramente intuimos, será) sigue siendo el único bueno . Sin saber que es el ojo de la juventud, me sorprendió entonces no encontrarlo entre hombres que parecían haberlo tenido como Valéry para Renoir, o que ciertamente lo habían tenido como Fénéon para Seurat. Considerando lo que está sucediendo hoy con la aventura plástica, a veces me pregunto si el interés decreciente que tengo en ella se debe a una inevitable deformación de la perspectiva debido a los años o si esta aventura sigue siendo una aventura y una progresión en ella. tanto como ella dice ser. Incluso si sospecho de mis propios motivos, no estoy seguro, sobre todo cuando observo, en este lado del mundo, la proliferación desmedida del arte llamado "abstracto", que me da la impresión de hundirme, con más miedo que curiosidad, en un paisaje de termiteros. Ni que decir tiene que, al otro lado de este mismo mundo, el llamado "realismo socialista", impuesto por la fuerza, no sólo acabó con cualquier deseo de aventura artística sino que socavó los fundamentos mismos del arte tal como siempre lo ha sido. sido definido.

En julio de 1916, Paul Valéry me escribió: “... Mientras tanto, he tenido un hijo que hoy cumple catorce días. Este hecho, para ustedes, varias personas, no me impidió visitar una exposición cúbica donde su apoyo habría sido precioso para mí. No sé qué estás haciendo, pero esto valía un automóvil quirúrgico. Ciertamente hay algo nuevo en este arte, pero ¿qué? Descartes creía que el científico más grande del mundo no sería capaz de añadir nada a una operación aritmética realizada correctamente por un niño. Boileau, con menos razón, quizá pensaba que doce sílabas bien contadas, bien divididas en grupos de seis, hacían a un poeta. Y me preguntaba: ¿cómo puedo distinguir al cubista A del cubista B? Estoy lo suficientemente cansado como para ceñirme a estas palabras. A ti te toca hablar, joven viendo cosas…”

Tanto en el arte de hoy como en el de ayer – Valéry tenía razón – sería beneficioso para todos que este tipo de “joven clarividente” se expresara, pero las oportunidades que se ofrecen son aún más raras que entonces. La palabra es siempre la misma para celebrar lo mismo, como si hubiera que tirar de la escalera tras ellos. Sólo hay un ruido (ensordecedor) organizado en torno a una multitud de artistas que trabajan desde hace medio siglo y a los que obviamente sería demasiado pedir para despertar a lo largo de su vida el interés y la emoción que los unió, en tiempos ya lejanos, a los más formulación audaz y elevada de su mensaje. Al menos desde el punto de vista desde el que me ubico, la actitud hacia el arte debe seguir siendo una búsqueda en todas direcciones y no consistir en espiar los más mínimos gestos de quienes fueron conquistadores, cuando el viento de la conquista ya no los lleva. : su participación seguiría siendo bastante buena sin eso. En los tiempos en que vivimos, es lamentable que la rutina y la especulación comercial dicten lo contrario. ¿Qué revista suficientemente independiente decidirá abrir una investigación en los círculos juveniles más sensibles para conocer de ellos los nombres de los artistas vivos que realmente están a su favor e incluso -porque no habría por qué temer, en este ámbito- Para hacer el juicio extremadamente subjetivo: ¿cuáles son las cinco o diez obras plásticas de hoy que ejercen la mayor atracción sobre cada uno de aquellos que consultamos? No tengo ninguna duda de que una investigación de este tipo proporcionaría sorpresas, sacaría de las sombras y elevaría al rango que les corresponde a los artistas y obras que tienen para ellos no ayer sino mañana .

Sin embargo, si hubiera tenido que responderla yo mismo en el momento en que, recién abierta y un poco iniciada en la pintura contemporánea, era para mí objeto de una pregunta apasionante, apenas habría dudado en mi elección. Agrego que posteriormente pude ver que esta elección anticipaba el reconocimiento de un número bastante grande de valores.

¿Algunas de las obras que habría nominado entonces? Los nombraré en el orden en que me aparecieron: El Retrato (de su esposa) de Matisse, expuesto en el Salón de Otoño de 1913, del que –aunque no lo he vuelto a ver desde entonces– no puedo olvidar la corona. de plumas negras, el fino pelaje leonado y la blusa esmeralda (¿no era el cabello café con leche?). Este para mí es un ejemplo perfecto del evento-trabajo (mucho más allá incluso de La Joie de vivre y La Danse aux capucines , que Muchas veces volví a verlas en la antigua galería Bernheim de la rue Richepanse, donde permanecieron colgadas durante años).

El retrato del Caballero Del mismo artista, en la pared de su estudio hacia 1918, un gran Cabaret du front , del que no sé en qué se ha convertido.

El cerebro del niño , de Chirico, que no me ha abandonado desde el día en que, expuesto en la rue la Boétie, en el escaparate de la galería Paul Guillaume, me alertó hasta el punto de obligarme a bajar del autobús para examinarlo. en su tiempo libre. Años después de haberlo adquirido, este cuadro volvería al mismo lugar con motivo de una exposición: el hecho de que, al pasar por allí, también en autobús, Yves Tanguy –a quien todavía no conocía– tuvo el mismo reflejo que para mí, suficiente para dar objetividad a tal llamamiento.

El clarinetista , de Picasso y también sus extraordinarias construcciones de bodegones en madera (1913-1914) de las que parece que no ha sobrevivido nada, salvo la muy insuficiente imagen fotográfica. La mujer de la camisa (1915) también conocida como “La mujer de los pechos dorados”.

Udnie, joven americana , de Picabia.

A los que posteriormente se agregaron:

La novia desnuda por sus solteros, incluso , de Duchamp, en la que brilla y se cumple para mí la mayor parte del ciclo de la leyenda moderna.

Los primeros “collages” de Max Ernst, llegados desde Colonia por correo, que nos dejaron a algunos de nosotros mirándonos asombrados durante toda una noche.

Los cuadros de Miró de 1924-25: La tierra arada , Paisaje catalán (El cazador) , Carnaval de los arlequines , todos juntos ingenuos, rebeldes y tan seguros de sí mismos, locos de alegría.

Esto es lo que para mí cobra protagonismo, esto es lo que me gustaría saber cuál es el equivalente para un ojo joven hoy en día.

He cedido, volveré a ceder, a una necesidad que me cuesta explicar, la de “poseer” cuadros: podría ser, banalmente, poder acariciarlos con la mirada o cambiar su ángulo cuando me plazca. ... sino que creo que es con la esperanza de apropiarse de ciertos poderes que, a mis ojos, poseen de manera electiva. Muy a menudo me pasaba por la noche colgar tal o cual cuadro en la pared, frente a mi cama, para poder experimentar su seducción sobre mí al despertar. Así pude asegurarme de que las olas más felices me las enviaron las rubias Braque de 1912: me parece que la investigación que propuse debería extenderse a este interrogatorio matutino, que proporciona a la información sobre el gusto individual una pista significativa (en la ausencia de obras originales, hermosas reproducciones en color nos permitirían decidir si es necesario).

Como a lo largo de mi vida he estado lejos de poder conservar todos estos cuadros que había logrado traer a mi casa, distingo bastante bien de aquellos de los que no fue demasiado cruel desprenderme, aquellos. que nunca he dejado de lamentar, incluso que me cuesta perdonarme por haber tenido que renunciar a otra oportunidad distinta a la mía. Me limito a mencionar, entre estas últimas, Melancolía y misterio de una calle , de Chirico, Mujer con mandolina , de Picasso y, sobre todo, La novia de Duchamp.

Las relaciones, algunas prolongadas, otras fugaces, que mantuve con la pintura han dejado una gran huella en mi vida. Uno de mis primeros poemas (1916) está dedicado a André Derain, cuya obra antes de la guerra de 1914 tuvo una larga influencia en mí. Recuerdo las horas que pasaba a solas con él en su estudio de la rue Bonaparte donde, entre dos magníficos soliloquios sobre el arte y el pensamiento medieval, me leía las cartas del tarot. Encontré este contacto, estimulante desde el principio, con Vlaminck, a quien, en 1918, fui a preguntar, en nombre de Apollinaire, dónde estaban las decoraciones de Couleur du temps . Todavía conservo en mi oído el brillo de sus historias fantásticas, tomadas de la vida cotidiana, de las que él es el primero en asustarnos. Me veo de nuevo, una mañana de primavera de 1919, sentado en un banco de la Avenue de l'Observatoire, cerca de Modigliani, mientras descubro los "Poemas" de Isidore Ducasse que acaban de publicarse en Littérature : nadie comprende más rápidamente su importancia. nadie tiene una primera mirada más lúcida y entusiasta a esta enigmática obra. Recuerdo mis frecuentes visitas al simpático comerciante y poeta Zborowsky por miedo a no poder seguir la trama de los primeros paisajes de Soutine, donde el sentimiento más ardiente de la naturaleza se desata en la suntuosa cachemira. Revivo, al pensar en mis primeros encuentros con él, la gran agitación interior de Braque, una cuerda de lira tensa a punto de romperse en el bosque. Incluso pensar en dar un débil relato de ello, demasiadas impresiones, cada una más fuerte que la otra, me asaltan ante la mera mención de lo que Picasso descubrió para mí en esta vena que tantas veces me pareció traer toda la sangre de lo posible. De vuelta al corazón. Guardo, aún más profundamente, el pesar de no haber podido conocer, antes de que se propusiera comportarse como un vándalo en sus propias tierras, al prodigioso Chirico de los años 13-14 sobre quien a veces medito con toda la melancolía necesaria – extraídas de un manuscrito inédito que tengo suyo – estas líneas de luz:

“Los griegos rara vez imaginaban un Dios en el cielo. Fue especialmente en los lugares altos donde lo vieron. Ésta es la concepción del Olimpo griego: Zeus con su mirada cerúlea está sentado en la cumbre más alta: la expresión del torso divino empuja a lo lejos la profundidad glauca de la bóveda celeste; el Dios no es él mismo en esta profundidad; sólo sirve para hacerlo más enigmático. El mismo sentimiento lo da, de manera más intensa, la leyenda bíblica de Moisés que, confinado en un agujero por Jehová por temor a que la visión de su rostro matara al profeta, luego ve al Dios desde atrás, muy lejos. El principio de la revelación está ahí. Quizás con un mayor esfuerzo de abstracción, al girar el ángulo de la materia y su significado , aparecería el punto de la eternidad, brillando en el espacio como la lágrima cristalina de un Dios que había llorado de alegría. »

Al no poder evocar aquí –lo que me llevaría demasiado lejos– a los artistas que, durante un cuarto de siglo, fueron verdaderamente mis compañeros de lucha, me enorgullezco de haber sido el primero, en 1933, en saludar a la llegada de Kandinsky a París , haberle hecho aceptar ser, en los Surindépendants, el invitado de honor del surrealismo, o haber anticipado muchos años su actual consagración celebrando, todavía muy vivo, su "ojo admirable, apenas velado tras el cristal, [que] forma con el aire un cristal puro, centelleante con todas las iridiscencias del rutilo en el cuarzo. Este ojo – aseguré – es el de uno de los primeros, de uno de los mayores revolucionarios de la visión. París, marzo de 1952. André Breton. »