André BRETON analizza il rapporto tra gli uomini e la bellezza dell'arte.

André Breton (1896.1966)

Manoscritto autografo firmato – À L’ŒIL NU

Sei pagine in-4° su carta color crema.

Parigi. marzo 1952.

“Spesso mi dico che questo occhio aperto della giovinezza resta l’unico buono. »

André Breton analizza il rapporto tra gli uomini e la bellezza delle opere pittoriche. Evocando lo sguardo moderno della giovinezza, ripensa ai suoi primi amori artistici, ad alcuni capolavori della sua collezione e, da Picabia a Picasso, da Braque a Modigliani, ai grandi maestri che lo hanno influenzato e guidato nella ricerca della Bellezza.

Questo testo è stato pubblicato con il titolo "Tocca a te parlare, giovane veggente delle cose", nella rivista XX secolo, nel giugno 1952. Alleghiamo le sette pagine di bozze corrette e firmate da Breton.

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AD OCCHIO NUDO

“Come potevo non conservare l'occhio che avevo a diciassette o diciotto anni per tali opere plastiche allora nuove di zecca, affrontando critiche e intolleranze quasi unanimi! L'incontro con queste opere, anche con le loro mediocri riproduzioni fotografiche, mi ha elevato, mi sembra, al di sopra di me stesso, mi ha offerto lo sguardo più esaltante del possibile di cui non ho potuto, naturalmente, scoprire solo da lontano che era quello certo . Ho detto molto tempo fa che non ero in grado di considerare un dipinto se non “come una finestra la cui prima preoccupazione è sapere cosa guarda ” e si può immaginare che intendessi con ciò: “In ogni caso, niente di apparenze attuali. » [ ^* Rimbaud]. La prima condizione del piacere – sia esso provato alla luce o al buio – era che avvenisse una rivoluzione in queste apparenze, che fossimo trasportati fuori (il più lontano possibile) dalla vita convenzionale. Ero lontano dall'aver esplorato le teorie che abbondavano all'epoca (era il 1913-1914) e, senza alcun legame con alcun essere al mondo che condividesse i miei gusti, non sapevo nemmeno come difendermi dall'accusa di " snobismo." Da allora, la razionalizzazione critica ha fornito a me e ad altri buone ragioni per amare ciò che io amavo e ciò che loro abominavano. Me ne congratulo con me stesso senza nessun altro trasporto, come se avessi vissuto.

Tuttavia, spesso mi dico che questo occhio aperto della giovinezza (aperto su ciò che ancora non è ma che, oscuramente intuiamo, sarà) resta l'unico buono . Non sapendo che è l'occhio della giovinezza, mi stupii allora di non trovarlo più tra uomini che sembravano averlo avuto come Valéry per Renoir, o che certamente lo avevano avuto come Fénéon per Seurat. Considerando ciò che sta accadendo oggi all'avventura plastica, a volte mi chiedo se il calo di interesse che ho nei suoi confronti sia dovuto a un'inevitabile distorsione della prospettiva dovuta agli anni o se quest'avventura rimanga un'avventura e una progressione su di essa. proprio come lei sostiene di essere. Anche se sospetto le mie stesse motivazioni, non ne sono sicuro, soprattutto quando osservo, da questa parte del mondo, la proliferazione smisurata dell’arte cosiddetta “astratta”, che mi dà l’impressione di affondare, con più paura che curiosità, in un paesaggio di termitai. Inutile dire che, dall’altra parte di questo stesso mondo, il cosiddetto “realismo socialista”, imposto con la forza, non solo ha messo fine a ogni desiderio di avventura artistica ma ha minato le basi stesse dell’arte come ha sempre fatto. stato definito.

Nel luglio del 1916, Paul Valéry mi scriveva: “…Nel frattempo ho avuto un figlio che oggi ha quattordici giorni. Questo fatto, per voi vari, non mi ha impedito di visitare una mostra cubica dove il vostro sostegno mi sarebbe stato prezioso. Non so cosa stai facendo, ma questo valeva un'automobile chirurgica. C'è sicuramente qualcosa di nuovo in quest'arte, ma cosa? Cartesio credeva che il più grande scienziato del mondo non sarebbe stato in grado di aggiungere nulla a un'operazione aritmetica eseguita correttamente da un bambino. Boileau, con meno ragione, pensava forse che dodici sillabe ben contate, ben divise in gruppi di sei, facessero un poeta. E continuavo a dirmi: come faccio a distinguere il cubista A dal cubista B? Sono abbastanza stanco da restare fedele a queste parole. Sta a te parlare, giovane, vedendo le cose…”

Sull’arte di oggi come su quella di ieri – Valéry aveva ragione – sarebbe, per il bene generale, che questo tipo di “giovane chiaroveggente” potesse esprimersi ma ancora più rare di allora sono le opportunità offerte. La parola è sempre la stessa per celebrare gli stessi, come se si dovesse tirare la scala dietro di loro. C'è solo il rumore (assordante) organizzato attorno a una schiera di artisti che lavorano da mezzo secolo e ai quali sarebbe ovviamente troppo chiedere di suscitare per tutta la loro vita l'interesse e l'emozione che hanno legato, in tempi già lontani, ai più formulazione audace e nobile del loro messaggio. Almeno dal punto di vista dal quale mi pongo, l’atteggiamento nei confronti dell’arte dovrebbe continuare ad essere una ricerca in tutte le direzioni e non consistere nello spiare i minimi gesti di coloro che sono stati conquistatori, quando il vento della conquista non li porta più : la loro quota sarebbe comunque abbastanza buona anche senza di ciò. Nei tempi in cui viviamo, è un peccato che la routine e la speculazione commerciale dicano il contrario. Quale rivista sufficientemente indipendente deciderà di aprire un’inchiesta negli ambienti più sensibili dei giovani per apprendere da loro i nomi degli artisti viventi che siano veramente a loro favore e addirittura – perché non ci sarebbe da temere, in questo ambito, per rendere il giudizio estremamente soggettivo: quali sono le cinque-dieci opere plastiche di oggi che esercitano maggiore attrazione su ognuna di quelle che consultiamo? Non ho dubbi che un'indagine del genere riserverebbe sorprese, farebbe uscire dall'ombra e promuovere al rango loro dovuto gli artisti e le opere che hanno per loro non ieri ma domani .

Tuttavia, se avessi dovuto rispondere io stesso nel momento in cui, appena aperto e in qualche modo iniziato alla pittura contemporanea, era per me oggetto di una domanda avvincente, difficilmente avrei esitato nella mia scelta. Aggiungo che, successivamente, ho potuto constatare che tale scelta anticipava il riconoscimento di un numero abbastanza ampio di valori.

Alcuni dei lavori che avrei nominato allora? Li nominerò nell'ordine in cui mi sono apparsi: Il Ritratto (della moglie) di Matisse, esposto al Salon d'Automne del 1913, di cui – anche se da allora non l'ho più rivisto – non posso dimenticare la corona di piume nere, la sottile pelliccia fulva e la camicetta color smeraldo (i capelli non erano café au lait?). Questo per me è un perfetto esempio di evento-lavoro (ben oltre anche La Joie de vivre e La Danse aux capucines , che Tanto spesso andai a rivederli alla vecchia galleria Bernheim in rue Richepanse, dove rimasero appesi per anni).

Il “Diario” del Ritratto del Cavaliere Dello stesso artista, sulla parete del suo studio intorno al 1918, un grande Cabaret du front , di cui non so cosa sia diventato.

Il cervello del bambino , di Chirico, che non mi ha lasciato dal giorno in cui, esposto in rue la Boétie nella vetrina della galleria Paul Guillaume, mi allertò al punto da costringermi a scendere dall'autobus per esaminarlo a tuo piacimento. Anni dopo averlo acquisito, questo dipinto sarebbe tornato nello stesso luogo in occasione di una mostra: il fatto che, passando di lì, anche in autobus, Yves Tanguy – che ancora non conoscevo – ebbe lo stesso riflesso di me, abbastanza per dare obiettività a un simile appello.

Il Suonatore di clarinetto , di Picasso ed anche le sue straordinarie costruzioni di nature morte in legno (1913-1914) di cui sembra non sia sopravvissuto nulla, a parte la scarsissima immagine fotografica. La donna in camicia (1915) conosciuta anche come “Donna dai seni d'oro”.

Udnie, giovane ragazza americana , di Picabia.

A cui successivamente si sono aggiunti:

La sposa messa a nudo dagli scapoli, addirittura , di Duchamp, in cui risplende e si compie per me la maggior parte del ciclo della leggenda moderna.

I primi “collage” di Max Ernst, arrivati ​​da Colonia per posta, che hanno lasciato stupiti alcuni di noi per tutta una sera.

I dipinti di Miró del 1924-25: La Terra Arata , Paesaggio Catalano (Il Cacciatore) , Carnevale degli Arlecchini , tutti insieme ingenui, ribelli e così sicuri di sé, pazzi di gioia.

Questo è ciò che per me è al centro della scena, questo è ciò che vorrei sapere qual è l'equivalente per un occhio giovane oggi.

Ho ceduto, cederò ancora, a un'esigenza che faccio fatica a spiegare, quella di “possedere” i quadri: potrebbe essere, banalmente, poterli accarezzare con lo sguardo o cambiarne l'angolazione a mio piacimento. ... ma piuttosto credo che sia nella speranza di appropriarsi di certi poteri che ai miei occhi detengono elettivamente. Molto spesso mi capitava la sera di appendere questo o quel quadro al muro, davanti al letto, per poterne sperimentare la seduzione su di me al risveglio. Ho così potuto assicurarmi che le onde più felici sono state disperse per me dai biondi Braque del 1912: mi sembra che l'indagine da me suggerita debba essere estesa all'interrogatorio di questa mattina, che fornisce alle informazioni sul gusto individuale un indizio significativo (in l'assenza di opere originali, bellissime riproduzioni a colori ci permetterebbero di decidere se necessario).

Poiché nel corso della mia vita non sono riuscito a conservare tutti i quadri che sono riuscito a portare a casa mia, li distinguo abbastanza bene da quelli dai quali non è stato troppo crudele per me separarmi. quelli di cui non ho mai smesso di pentirmi, anche che faccio fatica a perdonarmi di aver dovuto rinunciare ad un'altra possibilità oltre alla mia. Mi limito a citare, tra questi ultimi, Malinconia e mistero di una strada , di Chirico, Donna con mandolino , di Picasso e, soprattutto, La sposa di Duchamp.

I rapporti, alcuni prolungati, altri fugaci, che ho intrattenuto con la pittura hanno lasciato un grande segno nella mia vita. Una delle mie prime poesie (1916) è dedicata ad André Derain, il cui lavoro prima della guerra del 1914 ha avuto una lunga influenza su di me. Ricordo le ore trascorse da solo con lui nel suo studio di rue Bonaparte dove, tra due superbi soliloqui sull'arte e il pensiero medievale, mi leggeva i tarocchi. Ritrovai questo contatto, euforico fin dall'inizio, con Vlaminck al quale, nel 1918, andai a chiedere, per conto di Apollinaire, dove fossero le decorazioni per Couleur du temps . Conservo ancora nell'orecchio la genialità delle sue storie fantastiche, prese in prestito dalla vita di tutti i giorni, di cui è lui il primo a spaventarci. Mi rivedo, una mattina di primavera del 1919, seduto su una panchina dell'Avenue de l'Observatoire, vicino a Modigliani, mentre scopro le "Poesie" di Isidore Ducasse appena pubblicate su Littérature : nessuno è più pronto a coglierne l'importanza, nessuno può dare un primo sguardo più lucido ed entusiasta a quest'opera enigmatica. Ricordo le mie frequenti visite al simpatico mercante e poeta Zborowsky nel timore di non riuscire a seguire tutta la trama dei primi paesaggi di Soutine, dove il sentimento più ardente della natura si scatena nel sontuoso cashmere. Rivivo, al pensiero dei miei primi incontri con lui, il grande tumulto interiore di Braque, corda di lira tesa a spezzarsi nel bosco. Anche solo pensare di darne un resoconto debole, troppe impressioni, una più forte dell'altra, mi assalgono al solo menzionare ciò che Picasso ha scoperto per me in questa vena che così spesso mi è sembrata portare tutto il sangue del possibile. ritorno al cuore. Conservo, ancora più profondamente, il rammarico di non aver potuto conoscere, prima che si impegnasse a comportarsi come un vandalo sulle sue stesse terre, il prodigioso Chirico degli anni 13-14 sul quale talvolta medito con tutta la malinconia necessaria – estratti da un suo manoscritto inedito che ho in mio possesso – queste linee di luce:

“I greci raramente immaginavano un Dio nel cielo. Lo vedevano soprattutto in luoghi elevati. Questa è la concezione dell'Olimpo greco: Zeus con lo sguardo ceruleo è assiso sulla vetta più alta: l' espressione del torso divino respinge in lontananza la glauca profondità della volta celeste; il Dio non è sé stesso in questa profondità; serve solo a renderlo più enigmatico. La stessa sensazione è data, in modo più pesante, dalla leggenda biblica di Mosè che, rinchiuso in una fossa da Geova nel timore che la vista del suo volto uccidesse il profeta, vede poi il Dio di spalle che è distante. Il principio della rivelazione è lì. Forse con un maggiore sforzo di astrazione, ribaltando l'angolo della materia e del suo significato , apparirebbe il punto dell'eternità, splendente nello spazio come la lacrima cristallina di un Dio che ha pianto di gioia. »

Non riuscendo qui a evocare – il che mi porterebbe troppo lontano – gli artisti che, per un quarto di secolo, furono davvero miei compagni di lotta, mi lusingo di essere stato il primo, nel 1933, a salutare il arrivo di Kandinsky a Parigi , di averlo fatto accettare di essere, ai Surindépendants, l'ospite d'onore del surrealismo, o di aver anticipato di molti anni la sua attuale consacrazione celebrando, ancora vivissimo, il suo "occhio mirabile, appena velato dietro il vetro, [che] forma con l'aria un cristallo puro, scintillante di tutta l'iridescenza del rutilo nel quarzo. Quest’occhio – ho assicurato – è quello di uno dei primissimi, di uno dei più grandi rivoluzionari della visione. Parigi, marzo 1952. André Breton. »