André BRETON analysiert die Beziehung zwischen Männern und der Schönheit der Kunst.

André Breton (1896.1966)

Handschriftliches Handschriftmanuskript – À L’ŒIL NU

Sechs Seiten in-4° auf cremefarbenem Papier.

Paris. März 1952.

„Ich sage mir oft, dass dieser offene Blick der Jugend der einzig gute bleibt. »

André Breton analysiert die Beziehung zwischen Männern und der Schönheit bildnerischer Werke. Er beschwört die moderne Einstellung der Jugend und blickt zurück auf seine ersten künstlerischen Lieben, auf einige Meisterwerke aus seiner Sammlung und, von Picabia bis Picasso, von Braque bis Modigliani, auf die großen Meister, die ihn auf der Suche nach Schönheit beeinflusst und geleitet haben.

Dieser Text wurde unter dem Titel „Es liegt an dir zu sprechen, junger Seher der Dinge“ in der Revue XX. Jahrhundert im Juni 1952 veröffentlicht. Wir fügen die sieben von Breton korrigierten und unterzeichneten Korrekturabzüge bei.

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MIT BLICKEM AUGE

„Wie konnte ich nicht den Blick behalten, den ich mit siebzehn oder achtzehn Jahren auf solche plastischen Arbeiten richtete, die damals ganz neu waren, und der fast einhelligen Kritik und Intoleranz ausgesetzt war! Die Begegnung mit diesen Werken, selbst mit mittelmäßigen fotografischen Reproduktionen davon, hat mich, so scheint es mir, über mich selbst gehoben und mir den aufregendsten Blick auf das Mögliche , von dem ich natürlich nur aus der Ferne erkennen konnte, dass er es war der Gewisse . Ich habe vor langer Zeit gesagt, dass ich ein Gemälde nur als „ein Fenster betrachten kann, dessen erstes Anliegen darin besteht, zu wissen, worauf es hinausblickt “ , und man kann sich vorstellen, dass ich damit andeutete: „Auf jeden Fall nichts von aktuelle Auftritte. » [ ^* Rimbaud]. Die erste Bedingung des Vergnügens – ob es im Hellen oder im Dunkeln empfunden wurde – war, dass es eine Revolution in diesen Erscheinungen gab, dass wir (so weit wie möglich) aus dem konventionellen Leben herausgeholt wurden. Ich hatte mich noch lange nicht mit den Theorien beschäftigt, die es damals (es war 1913-1914) im Überfluss gab, und da ich keine Verbindung zu irgendeinem Wesen auf der Welt hatte, das meinen Geschmack teilte, wusste ich nicht einmal, wie ich mich gegen den Vorwurf verteidigen sollte, „ Snobismus." Seitdem hat die kritische Rationalisierung mir und anderen gute Gründe , das zu lieben, was ich liebte und was sie verabscheuten. Ich gratuliere mir selbst dazu, ohne einen anderen Transport, als hätte ich gelebt.

Dennoch sage ich mir oft, dass dieses offene Auge der Jugend (offen für das, was noch nicht ist, was wir aber im Dunkeln spüren) Gute bleibt . Da ich nicht wusste, dass es das Auge der Jugend ist, war ich damals überrascht, es nicht mehr bei Männern zu finden, die es zu haben schienen wie Valéry für Renoir, oder die es sicherlich wie Fénéon für Seurat gehabt hatten. Wenn ich bedenke, was heute mit dem Plastikabenteuer passiert, frage ich mich manchmal, ob das nachlassende Interesse, das ich daran habe, auf eine unvermeidliche Verzerrung der Sichtweise aufgrund der Jahre zurückzuführen ist oder ob dieses Abenteuer ein Abenteuer und eine Weiterentwicklung bleibt. -sogar als so sehr sie es auch behauptet. Selbst wenn ich meine eigenen Beweggründe vermute, bin ich mir nicht sicher, insbesondere wenn ich auf dieser Seite der Welt die maßlose Verbreitung sogenannter „abstrakter“ Kunst beobachte, die mir das Gefühl gibt, vor Angst zu sinken Neugier, in eine Landschaft aus Termitenhügeln. Es versteht sich von selbst, dass auf der anderen Seite dieser Welt der mit Gewalt aufgezwungene sogenannte „sozialistische Realismus“ nicht nur jeglichem Wunsch nach künstlerischem Abenteuer ein Ende setzte, sondern wie immer auch die Grundlagen der Kunst untergrub definiert worden.

Im Juli 1916 schrieb mir Paul Valéry: „…Inzwischen habe ich einen Sohn bekommen, der heute vierzehn Tage alt ist. Diese Tatsache hat mich für Sie, verschiedene Menschen, nicht davon abgehalten, eine kubische Ausstellung zu besuchen, bei der Ihre Unterstützung für mich wertvoll gewesen wäre. Ich weiß nicht, was Sie tun, aber das war einen chirurgischen Eingriff wert. Es gibt sicherlich etwas Neues in dieser Kunst, aber was? Descartes glaubte, dass der größte Wissenschaftler der Welt einer von einem Kind korrekt ausgeführten Rechenoperation nichts hinzufügen könnte. Boileau glaubte vielleicht mit weniger Grund, dass zwölf gut gezählte Silben, gut in Sechsergruppen unterteilt, einen Dichter ausmachten. Und ich sagte mir immer wieder: Wie kann ich Kubist A von Kubist B unterscheiden? Ich bin müde genug, um bei diesen Worten zu bleiben. Es liegt an Ihnen zu sprechen, junge Menschen, die Dinge sehen …“

Über die Kunst von heute wie von gestern – Valéry hatte Recht – wäre es zum Wohle der Allgemeinheit für diese Art von „jungem Hellseher“ angebracht, sich zu äußern, aber noch seltener als damals sind die gebotenen Möglichkeiten. Das Wort ist immer dasselbe, um dasselbe zu feiern, als müsste die Leiter hinter ihnen hergezogen werden. Es gibt nur einen (ohrenbetäubenden) Lärm, der sich um eine Schar von Künstlern organisiert, die seit einem halben Jahrhundert arbeiten und von denen es offensichtlich zu viel verlangt wäre, ihr ganzes Leben lang das Interesse und die Emotionen zu wecken, die ihnen in bereits fernen Zeiten am meisten am Herzen lagen kühne und erhabene Formulierung ihrer Botschaft. Zumindest aus der Sicht, von der aus ich mich vertrete, sollte die Einstellung zur Kunst weiterhin eine Suche in alle Richtungen sein und nicht darin bestehen, die kleinsten Gesten der Eroberer auszuspionieren, wenn der Wind der Eroberung sie nicht mehr trägt : Ihr Anteil wäre auch ohne das immer noch recht gut. In der Zeit, in der wir leben, ist es bedauerlich, dass Routine und kommerzielle Spekulationen etwas anderes vorschreiben. Welches hinreichend unabhängige Magazin wird sich entscheiden, eine Untersuchung in den sensibelsten Kreisen junger Menschen einzuleiten, um von ihnen die Namen der lebenden Künstler zu erfahren, die wirklich zu ihren Gunsten stehen, und sogar – denn es gäbe keinen Grund, sich auf diesem Gebiet zu fürchten? Um das Urteil äußerst subjektiv zu gestalten: Welches sind die fünf bis zehn plastischen Werke von heute, die auf jeden unserer Befragten die größte Anziehungskraft ausüben? das Gestern , sondern das Morgen für sich haben, aus dem Schatten hervorholen und in den ihnen gebührenden Rang befördern würde .

Hätte ich sie jedoch damals selbst beantworten müssen, als sie für mich, nachdem ich mich gerade erst geöffnet und einigermaßen in die zeitgenössische Malerei eingeweiht hatte, Gegenstand einer spannenden Frage war, hätte ich bei meiner Wahl kaum gezögert. Ich füge hinzu, dass ich im Nachhinein erkennen konnte, dass diese Wahl die Anerkennung einer ziemlich großen Zahl von Werten vorwegnahm.

Welche Werke hätte ich damals nominiert? Ich nenne sie in der Reihenfolge, in der sie mir erschienen sind: Das Porträt (seiner Frau) von Matisse, ausgestellt im Salon d'Automne von 1913, dessen Krone ich – obwohl ich es seitdem nie mehr gesehen habe – nicht vergessen kann aus schwarzen Federn, dem dünnen gelbbraunen Fell und der smaragdgrünen Bluse (war die Frisur nicht Milchkaffee?) Das ist für mich ein perfektes Beispiel für das Arbeitsereignis (weit über La Joie de vivre und La Danse aux capucines ). Ich habe sie so oft in der alten Bernheim-Galerie in der Rue Richepanse besichtigt, wo sie jahrelang hingen.

Das entfaltete Porträt des Ritters Vom selben Künstler hängt um 1918 an der Wand seines Ateliers ein großes Cabaret du front , von dem ich nicht weiß, was daraus geworden ist.

Das Gehirn des Kindes von Chirico, das mich seit dem Tag nicht mehr verlassen hat, als es in der Rue la Boétie im Schaufenster der Paul-Guillaume-Galerie ausgestellt war und mich so sehr alarmierte, dass ich gezwungen war, aus dem Bus auszusteigen, um es zu betrachten in Ihrer Freizeit. Jahre nachdem ich es erworben hatte, sollte dieses Gemälde anlässlich einer Ausstellung an denselben Ort zurückkehren: Die Tatsache, dass Yves Tanguy – den ich noch nicht kannte – bei der Vorbeifahrt dort, ebenfalls mit dem Bus, den gleichen Reflex hatte wie Für mich reicht das aus, um einem solchen Appell Objektivität zu verleihen.

Der Klarinettenspieler von Picasso und auch seine außergewöhnlichen hölzernen Stilllebenkonstruktionen (1913–1914), von denen außer dem sehr unzureichenden fotografischen Bild anscheinend nichts mehr erhalten ist. Die Frau im Hemd (1915), auch bekannt als „Frau mit goldenen Brüsten“.

Udnie, junges amerikanisches Mädchen , von Picabia.

Hinzu kamen nachträglich:

„The Bride Stripped Bare by Her Bachelors“, sogar „ “, von Duchamp, in dem der größte Teil des Zyklus der modernen Legende erstrahlt und für mich erfüllt wird.

Die ersten „Collagen“ von Max Ernst, per Post aus Köln eingetroffen, die einige von uns eines Abends zum Staunen brachten.

Mirós Gemälde von 1924-25: Die gepflügte Erde , die katalanische Landschaft (Der Jäger) , der Karneval der Harlekine , alle zusammen naiv, rebellisch und so selbstsicher, – verrückt vor Freude.

Das ist es, was für mich im Mittelpunkt steht, das ist es, was ich heute gerne wissen würde, was das Äquivalent für ein junges Auge ist.

Ich habe einem Bedürfnis nachgegeben, das ich nur schwer erklären kann, und werde es noch einmal tun, dem Bedürfnis, Gemälde zu „besitzen“: Es könnte, ganz banal, sein, sie mit meinem Blick streicheln oder ihren Blickwinkel ändern zu können, wann immer es mir gefällt . sondern ich glaube eher, dass es in der Hoffnung geschieht, sich bestimmte Befugnisse anzueignen, die sie in meinen Augen freiwillig innehaben. Sehr oft passierte es mir, abends dieses oder jenes Gemälde vor meinem Bett an die Wand zu hängen, damit ich beim Aufwachen seine Verführung an mir spüren konnte. So konnte ich sicherstellen, dass die Braque-Blondinen des Jahres 1912 die glücklichsten Wellen auf mich auslösten: Es scheint mir, dass die von mir vorgeschlagene Untersuchung auf die Befragung heute Morgen ausgeweitet werden sollte, die Informationen über den individuellen Geschmack liefert (in das Fehlen von Originalwerken, schöne Farbreproduktionen würden uns bei Bedarf eine Entscheidung ermöglichen).

Da ich im Laufe meines Lebens nicht in der Lage war, alle diese Gemälde, die ich in mein Zuhause gebracht hatte, behalten zu können, unterscheide ich sie ganz gut von denen, von denen ich mich nicht allzu grausam trennen konnte. , jene Das habe ich nie aufgehört zu bereuen, auch wenn es mir schwer fällt, mir selbst zu verzeihen, dass ich eine andere Chance als meine aufgeben musste. Ich beschränke mich auf die Erwähnung von „ Melancholy and Mystery of a Street “ von Chirico, „ Frau mit Mandoline “ von Picasso und vor allem „Die Braut“ von Duchamp.

Die Beziehungen, die ich mit Gemälden pflegte, einige davon waren langwierig, andere flüchtig, haben einen großen Eindruck in meinem Leben hinterlassen. Eines meiner ersten Gedichte (1916) ist André Derain gewidmet, dessen Werk vor dem Krieg von 1914 einen langen Einfluss auf mich hatte. Ich erinnere mich an die Stunden, die er allein mit ihm in seinem Atelier in der Rue Bonaparte verbrachte, wo er mir zwischen zwei großartigen Monologen über Kunst und mittelalterliches Denken die Tarotkarten vorlas. Der Kontakt zu Vlaminck, zu dem ich 1918 im Namen Apollinaires kam, um ihn zu fragen, wo sich die Dekorationen für Couleur du temps . Ich habe immer noch die Brillanz seiner fantastischen Geschichten im Ohr, die er dem Alltagsleben entlehnt hat und vor dem er der Erste ist, der uns Angst macht. Ich sehe mich wieder, an einem Frühlingsmorgen im Jahr 1919, wie ich auf einer Bank in der Avenue de l'Observatoire in der Nähe von Modigliani sitze und die „Gedichte“ von Isidore Ducasse entdecke, die gerade in Littérature veröffentlicht wurden : Niemand ist schneller in der Lage, ihre Bedeutung zu begreifen, Niemand hat einen klareren und enthusiastischeren ersten Blick auf dieses rätselhafte Werk. Ich erinnere mich an meine häufigen Besuche beim freundlichen Kaufmann und Dichter Zborowsky, aus Angst, der Handlung von Soutines ersten Landschaften nicht folgen zu können, in denen sich das leidenschaftlichste Gefühl der Natur in üppigem Kaschmir entfaltet. Beim Gedanken an meine ersten Begegnungen mit ihm lasse ich den großen inneren Aufruhr von Braque wieder aufleben, einer Lyra-Saite, die im Wald zerrissen werden muss. Wenn ich auch nur daran denke, einen schwachen Bericht darüber zu geben, überfallen mich zu viele Eindrücke, einer stärker als der andere, bei der bloßen Erwähnung dessen, was Picasso für mich in dieser Richtung entdeckt hat, die mir so oft vorkam, als ob sie das ganze Blut des Möglichen mit sich bringen würde zurück zum Herzen. Noch tiefer empfinde ich das Bedauern darüber, dass ich den wunderbaren Chirico aus den Jahren 13-14, über den ich manchmal mit der nötigen Melancholie nachdenke, nicht kennengelernt habe, bevor er sich aufnahm, sich auf seinem eigenen Land wie ein Vandale zu benehmen – Auszug aus einem unveröffentlichten Manuskript, das ich von ihm habe – diese Lichtlinien:

„Die Griechen stellten sich selten einen Gott im Himmel vor. Besonders auf hochgelegenen Orten sah man es. Dies ist die Vorstellung des griechischen Olymp: Zeus sitzt mit seinem himmelblauen Blick auf dem höchsten Gipfel: Der Ausdruck des göttlichen Torsos verdrängt die glasige Tiefe des Himmelsgewölbes in die Ferne; der Gott ist in dieser Tiefe nicht er selbst; es macht es nur noch rätselhafter. Dasselbe Gefühl wird, auf eine stärkere Art und Weise, durch die biblische Legende von Moses vermittelt, der, von Jehova in ein Loch gesperrt, aus Angst, der Anblick seines Gesichts würde den Propheten töten, dann den Gott von hinten in der Ferne sieht. Das Prinzip der Offenbarung ist da. Vielleicht würde mit einer größeren Anstrengung der Abstraktion, indem man den Blickwinkel der Materie und ihrer Bedeutung , der Punkt der Ewigkeit erscheinen und im Raum leuchten wie die kristalline Träne eines Gottes, der vor Freude geweint hatte. »

Da es mir hier nicht gelingt, an die Künstler zu erinnern – was mich zu weit führen würde –, die ein Vierteljahrhundert lang wirklich meine Kampfgefährten waren, schmeichele ich mir, dass ich 1933 der Erste war, der dies würdigte Ankunft Kandinskys in Paris , ihn dazu gebracht zu haben, bei den Surindépendants Ehrengast des Surrealismus zu sein, oder seine jetzige Weihe um viele Jahre vorweggenommen zu haben, indem er, obwohl er noch sehr lebendig war, sein „bewundernswertes Auge“ feierte hinter dem Glas verschleiert, das mit der Luft einen reinen Kristall bildet, der mit dem ganzen Schillern von Rutil in Quarz funkelt. Dieses Auge – versicherte ich – ist das eines der allerersten, eines der größten Revolutionäre des Sehens. Paris, März 1952. André Breton. »