André Breton analysiert das Verhältnis zwischen Männern und der Schönheit der Kunst.

André Breton (1896.1966)

Autogrammmanuskript signiert – FÜR DAS NACKTE AUGE

Sechs Quartseiten auf cremefarbenem Papier.

Paris. März 1952.

„Ich denke oft, dass diese Aufgeschlossenheit der Jugend die einzig gute ist.“

André Breton analysiert das Verhältnis zwischen Männern und der Schönheit malerischer Werke. Mit dem modernen Blick der Jugend lässt er seine ersten künstlerischen Lieben, einige Meisterwerke aus seiner Sammlung und die großen Meister – von Picabia bis Picasso, von Braque bis Modigliani – wieder aufleben, die ihn auf seiner Suche nach Schönheit beeinflusst und geleitet haben.

Dieser Text wurde unter dem Titel „Es liegt an dir zu sprechen, junger Seher der Dinge“ in der Zeitschrift XXe siècle, Juni 1952, veröffentlicht. Wir fügen die sieben von Breton korrigierten und unterschriebenen Korrekturabzüge bei.

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FÜR DAS NACKTE AUGE

„Hätte ich doch nur den Blick bewahrt, den ich mit siebzehn oder achtzehn Jahren für solche Kunstwerke hatte, damals brandneu und fast einhellig verurteilt und intolerant! Die Begegnung mit diesen Werken, selbst mit mittelmäßigen fotografischen Reproduktionen, erhob mich, so scheint es mir, über mich selbst, bot mir den berauschendsten Blick auf das Mögliche dessen Gewissheit . Ich sagte schon vor langer Zeit, ich könne ein Gemälde nur als „ein Fenster betrachten, dessen erstes Anliegen es ist zu wissen, worauf es blickt “, und man kann sich gut vorstellen, was ich damit meinte: „Jedenfalls nichts von dem, was gerade ansehnlich ist.“ [ ^* Rimbaud] Die erste Bedingung für Genuss – ob im Licht oder im Dunkeln empfunden – war eine Revolution dieser Erscheinungen, eine Entrückung (so weit wie möglich) aus dem konventionellen Leben. Ich hatte die damals kursierenden Theorien noch lange nicht vollständig erforscht (es war 1913/14), und da ich niemanden kannte, der meine Ansichten teilte, wusste ich nicht einmal, wie ich mich gegen den Vorwurf des „Snobismus“ verteidigen sollte. Seitdem hat mir die kritische Auseinandersetzung – und auch anderen – gute Gründe , das zu lieben, was ich liebte, und das zu verabscheuen, was sie verabscheuten. Darüber freue ich mich ohne jegliche andere Begeisterung, so wie darüber, gelebt zu haben.

Dennoch denke ich oft, dass dieses offene Auge der Jugend (offen für das, was noch nicht ist, aber, wie man leise ahnt, sein wird) wahre bleibt . Da ich damals nicht wusste, dass es das Auge der Jugend war, wunderte ich mich, es nicht bei Männern zu finden, die es zu besitzen schienen, wie Valéry bei Renoir, oder die es ganz sicher besessen hatten, wie Fénéon bei Seurat. Angesichts dessen, was heute mit dem künstlerischen Abenteuer geschieht, frage ich mich manchmal, ob mein schwindendes Interesse daran auf eine unvermeidliche Verzerrung der Perspektive durch die Jahre zurückzuführen ist oder ob dieses Abenteuer tatsächlich noch ein Abenteuer und eine Entwicklung in sich selbst ist, so sehr es auch behauptet. Selbst wenn ich meine eigenen Beweggründe hinterfrage, bin ich mir nicht sicher, besonders wenn ich hier auf der anderen Seite der Welt die ungebremste Ausbreitung der sogenannten „abstrakten“ Kunst beobachte, die mir eher das Gefühl gibt, mit Schrecken als mit Neugier in eine Landschaft aus Termitenhügeln zu versinken. Es versteht sich von selbst, dass auf der anderen Seite derselben Welt der sogenannte „sozialistische Realismus“, der mit Gewalt aufgezwungen wurde, nicht nur jegliche Neigung zur künstlerischen Erkundung im Keim erstickt, sondern auch die Grundlagen der Kunst, wie sie immer definiert wurde, untergraben hat.

Im Juli 1916 schrieb mir Paul Valéry: „…Inzwischen habe ich einen Sohn bekommen, der heute vierzehn Tage alt ist. Das hat mich, liebe Leser, nicht davon abgehalten, eine Kubismus-Ausstellung zu besuchen, wo Ihre Anwesenheit unschätzbar wertvoll gewesen wäre. Ich weiß nicht, was Sie beruflich machen, aber das war jeden Cent wert. Es gibt sicherlich etwas Neues in dieser Kunst, aber was? Descartes meinte, der größte Wissenschaftler der Welt könne einer von einem Kind korrekt ausgeführten Rechenoperation nichts hinzufügen. Boileau, vielleicht etwas weniger logisch, glaubte, zwölf Silben, gut gezählt und in Sechsergruppen unterteilt, machten einen Dichter aus. Und ich fragte mich immer wieder: Wie unterscheidet man Kubist A von Kubist B? Ich bin müde genug, es dabei zu belassen. Es liegt an Ihnen, zu sprechen, junger Seher der Dinge…“

Was die Kunst von heute wie von gestern betrifft – Valéry hatte Recht –, wäre es für alle von Vorteil, solchen „jungen Visionären“ eine Stimme zu geben. Doch Gelegenheiten für einen solchen Ausdruck sind heute noch seltener als damals. Immer wieder erhalten dieselben Leute das Wort, um dieselben Leute zu feiern, als würde die Leiter hinter ihnen wieder hochgezogen. Es herrscht kein (ohrenbetäubender) Lärm, außer dem, der sich um eine Gruppe von Künstlern dreht, die seit einem halben Jahrhundert arbeiten und von denen es offensichtlich zu viel verlangt wäre, ihr ganzes Leben lang jenes Interesse und jene Emotionen zu wecken, die einst mit den kühnsten und erhabensten Formulierungen ihrer Botschaft verbunden waren. Zumindest aus meiner Sicht sollte die Haltung zur Kunst weiterhin eine Suche in alle Richtungen sein und nicht darin bestehen, die kleinsten Gesten jener zu beäugen, die einst Eroberer waren, deren Einfluss aber längst nachgelassen hat : Ihr Beitrag wäre auch ohne diesen Einfluss noch immer bedeutend. Leider diktieren uns in unserer Zeit Routine und kommerzielle Spekulation etwas anderes. Welches ausreichend unabhängige Magazin würde wohl eine Umfrage unter besonders aufgeschlossenen jungen Menschen starten, um von ihnen die Namen der lebenden Künstler zu erfahren, die sie wirklich schätzen, und – denn in diesem Bereich bestünde keine Gefahr extremer Subjektivität in der Beurteilung – sogar, welche fünf bis zehn zeitgenössischen Kunstwerke auf jeden der Befragten die größte Anziehungskraft ausüben? Ich bin überzeugt, dass eine solche Umfrage Überraschungen bergen und die Künstler und Werke, die nicht die Vergangenheit , sondern die Zukunft .

Hätte ich diese Frage damals selbst beantworten müssen, als ich die zeitgenössische Malerei gerade erst für mich entdeckt und zu erforschen begonnen hatte – sie war für mich Gegenstand einer faszinierenden Auseinandersetzung –, hätte ich wohl kaum gezögert. Ich möchte hinzufügen, dass ich später feststellen konnte, dass diese Wahl die Anerkennung eines recht breiten Wertespektrums vorwegnahm.

Einige der Werke, auf die ich damals hingewiesen hätte? Ich werde sie in der Reihenfolge nennen, in der sie mir erschienen: Das Porträt (seiner Frau) von Matisse, ausgestellt im Salon d'automne von 1913, von dem ich – obwohl ich es seitdem nie wieder gesehen habe – die Krone aus schwarzen Federn, den dünnen, rehbraunen Pelz und die smaragdgrüne Bluse nicht vergessen kann (war ihr Haar nicht café au lait?). Dies ist für mich ein perfektes Beispiel für ein Ereigniswerk (weit übertreffend sogar Die Freude am Leben und Der Tanz mit den Capucines , die ich so oft in der alten Galerie Bernheim in der Rue Richepanse sah, wo sie jahrelang hingen).

Porträt von Ritter X : Obwohl ich das Original nie zu Gesicht bekommen habe – es ruht wie das vorherige in Moskau in der ehemaligen Sammlung Schtschukin –, faszinierte mich die eigentümliche Balance der Figur zwischen dem zugezogenen Vorhang und der aufgeschlagenen Zeitung in ihren Händen lange. Vom selben Künstler stammte um 1918 ein großes Gemälde „Kabarett an der Front“ , dessen Verbleib mir unbekannt ist.

Das Gehirn des Kindes “, das mich seit dem Tag, an dem es im Schaufenster der Galerie Paul Guillaume in der Rue la Boétie ausgestellt war, nicht mehr losgelassen hat, faszinierte mich so sehr, dass ich aus dem Bus aussteigen musste, um es in Ruhe zu betrachten. Jahre später kehrte dieses Gemälde für eine Ausstellung an denselben Ort zurück: Die Tatsache, dass Yves Tanguy – den ich damals noch nicht kannte –, der zufällig im Bus vorbeifuhr, dieselbe Reaktion zeigte wie ich, verleiht dieser Anziehungskraft Objektivität.

„Der Klarinettist“ sowie seine außergewöhnlichen hölzernen Stillleben (1913–1914), von denen außer einer sehr unzulänglichen Fotografie nichts erhalten geblieben zu sein scheint. Frau im Hemd (1915), auch bekannt als „Frau mit goldenen Brüsten“.

Udnie, ein amerikanisches Mädchen , von Picabia.

Zu denen später noch Folgendes hinzugefügt wurde:

Gemälde „Die Braut, von ihren Junggesellen entkleidet“ , in dem der größte Teil des Zyklus der modernen Legende seinen Ursprung findet und sich für mich erfüllt.

Die ersten „Collagen“ von Max Ernst, die per Post aus Köln eintrafen, erfüllten uns eines Abends mit Staunen.

Mirós Gemälde aus den Jahren 1924-25: Die gepflügte Erde , Katalanische Landschaft (Der Jäger) , Karneval der Harlekine , alle zugleich naiv, rebellisch und so selbstsicher – verrückt vor Freude.

Das ist es, was für mich im Vordergrund steht, das ist es, was ich gerne als Äquivalent für ein junges Auge heute kennenlernen würde.

Ich habe einem Bedürfnis nachgegeben und werde es auch weiterhin tun, das ich nur schwer erklären kann: dem Bedürfnis, Gemälde zu „besitzen“. Es könnte ganz einfach bedeuten, sie betrachten oder ihren Blickwinkel nach Belieben verändern zu können, aber ich glaube, es liegt vielmehr in der Hoffnung, mir gewisse Kräfte anzueignen, die sie in meinen Augen besitzen. Oft habe ich abends ein bestimmtes Gemälde an die Wand vor meinem Bett gehängt, um seine Anziehungskraft beim Aufwachen zu testen. So konnte ich feststellen, dass die blonden Braques von 1912 die positivste Ausstrahlung hatten. Mir scheint, dass die von mir vorgeschlagene Untersuchung auf die morgendliche Befragung ausgedehnt werden sollte, die einen wichtigen Hinweis auf den individuellen Geschmack liefert (in Ermangelung von Originalwerken würden schöne Farbreproduktionen gegebenenfalls eine Beurteilung ermöglichen).

Da ich im Laufe meines Lebens längst nicht alle Gemälde behalten konnte, die ich in mein Haus brachte, kann ich recht deutlich zwischen denen unterscheiden, von denen ich mich nur schweren Herzens trennen konnte, und denen, deren Übergabe ich zutiefst bereue oder die ich mir nur schwer verzeihen kann. Zu Letzteren möchte ich lediglich „Melancholie und das Geheimnis einer Straße“ , Frau mit Mandoline“ und vor allem Duchamps „ Braut“

Meine Beziehungen zur Malerei, manche lang anhaltend, andere flüchtig, haben mein Leben tiefgreifend geprägt. Eines meiner ersten Gedichte (1916) ist André Derain gewidmet, dessen Werk vor dem Ersten Weltkrieg mich lange und stark beeinflusste. Ich erinnere mich gern an die Stunden, die ich allein mit ihm in seinem Atelier in der Rue Bonaparte verbrachte, wo er mir zwischen zwei großartigen Monologen über Kunst und mittelalterliches Denken die Tarotkarten legte. Diese sofort fesselnde Verbindung entdeckte ich wieder mit Vlaminck, den ich 1918 im Auftrag Apollinaires aufsuchte, um mich nach dem Stand der Bühnenbilder für „Die Farbe der Zeit“ . Ich erinnere mich noch gut an die Brillanz seiner fantastischen, dem Alltag entlehnten Erzählungen, die er selbst als erschreckend empfand. Ich sehe mich noch vor mir, an einem Frühlingsmorgen des Jahres 1919, auf einer Bank in der Avenue de l'Observatoire, neben Modigliani. Wir beide entdeckten Isidore Ducasses „Poésies“, die gerade in der Zeitschrift Littérature : Niemand erfasste ihre Bedeutung schneller, niemand hatte einen klareren und enthusiastischeren ersten Eindruck von diesem rätselhaften Werk. Ich erinnere mich an meine häufigen Besuche bei dem liebenswürdigen Kaufmann und Dichter Zborowsky, aus Furcht, den Faden von Soutines frühen Landschaften nicht mehr nachvollziehen zu können, in denen sich die glühendste Naturverbundenheit in prächtigem Kaschmir entfaltet. Beim Gedanken an meine ersten Begegnungen mit ihm wird mir Braques tiefe innere Zerrissenheit vor Augen geführt, eine Leiersaite, die im Wald bis zum Zerreißen gespannt ist. Schon die bloße Erwähnung dessen, was Picasso mir über diese Kunstrichtung offenbarte, die so oft alles Blut zurück ins Herz zu ziehen schien, lässt mich unzählige Eindrücke überfluten, jeder stärker als der vorherige. Noch tiefer spüre ich das Bedauern, den genialen Chirico der Jahre 1913–1914 nicht kennengelernt zu haben, bevor er begann, sich auf seinem eigenen Land wie ein Vandale zu benehmen. Seine Lichtlinien – entnommen einem unveröffentlichten Manuskript von ihm – betrachte ich manchmal mit der nötigen Melancholie.

„Die Griechen stellten sich selten einen Gott im Himmel vor. Sie sahen ihn vor allem auf hohen Orten. So war die Vorstellung vom griechischen Olymp: Zeus, mit seinem azurblauen Blick, thront auf dem höchsten Gipfel; der Ausdruck seines göttlichen Oberkörpers drängt die dunklen Tiefen des Himmelsgewölbes zurück; Gott selbst ist nicht in diesen Tiefen; er dient nur dazu, sie noch rätselhafter zu machen. Dasselbe Gefühl vermittelt, wenn auch gewichtiger, die biblische Legende von Moses, der, von Jehova in eine Grube gesperrt, aus Furcht, der Anblick seines Antlitzes würde den Propheten töten, Gottes Rücken sieht, als dieser sich entfernt. Darin liegt das Prinzip der Offenbarung. Vielleicht würde mit größerer Abstraktion, durch eine Verschiebung des Blickwinkels auf die Materie und ihre Bedeutung , der Punkt der Ewigkeit erscheinen, leuchtend im Raum wie die kristalline Träne eines Gottes, der vor Freude geweint hat.“

Da ich hier nicht die Künstler nennen kann – was mich zu weit vom Thema abbringen würde –, die ein Vierteljahrhundert lang meine wahren Kampfgefährten waren, bilde ich mir ein, 1933 als Erster Kandinsky in Paris willkommen geheißen zu haben , ihn als Ehrengast des Surrealismus in die Surindépendants zu gewinnen und seine heutige Ehrung um Jahre vorwegzunehmen, indem ich, noch zu seinen Lebzeiten, sein „bewundernswertes Auge, kaum verhüllt hinter Glas, das mit der Luft einen reinen Kristall bildet, der mit dem ganzen Schimmer von Rutil in Quarz funkelt“, feierte. „Dieses Auge“, so behauptete ich, „ist das eines der allerersten, eines der größten Revolutionäre des Sehens. Paris, März 1952. André Breton.“