André BRETON analiza la relación entre los hombres y la belleza del arte.

André Bretón (1896.1966)

Manuscrito autógrafo firmado – À L’ŒIL NU

Seis páginas en -4° sobre papel crema.

París. Marzo de 1952.

“A menudo me digo que este ojo abierto de la juventud sigue siendo el único bueno. »

André Breton analiza la relación entre los hombres y la belleza de las obras pictóricas. Invocando la mirada moderna de la juventud, recuerda sus primeros amores artísticos, algunas obras maestras de su colección y, de Picabia a Picasso, de Braque a Modigliani, los grandes maestros que lo influyeron y guiaron en la búsqueda de la Belleza.

Este texto fue publicado con el título "A ti te toca hablar, joven vidente de las cosas", en la revista del siglo XX, en junio de 1952. Adjuntamos las siete páginas de pruebas corregidas y firmadas por Breton.

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A simple vista

¡Ojalá hubiera conservado la mirada que tenía a los diecisiete o dieciocho años para tales obras plásticas, entonces flamantes, expuestas a críticas e intolerancia casi unánimes! El encuentro con estas obras, o incluso con mediocres reproducciones fotográficas de ellas, me elevó, me parece, por encima de mí mismo, me ofreció la visión más estimulante de lo posible certeza , naturalmente, solo pude descubrir desde la distancia . Dije hace mucho tiempo que era incapaz de considerar una pintura de otra manera que «como una ventana en la que mi primera preocupación es saber qué mira », y se entiende bien que con eso quería decir: «En cualquier caso, nada de apariencias actuales». [ ^* Rimbaud]. La primera condición del placer, ya se sintiera en la luz o en la oscuridad, era que se produjera una revolución en estas apariencias, que uno se transportara fuera (en la medida de lo posible) de la vida convencional. Estaba lejos de haber explorado las teorías que abundaban en ese momento (era 1913-1914) y, sin ninguna Conectando con alguien en el mundo que compartiera mis gustos, ni siquiera sabía cómo defenderme de la acusación de "esnobismo". Desde entonces, la racionalización crítica nos ha dado, a nosotros y a otros, buenas razones para amar lo que yo amaba y lo que ellos aborrecían. Me felicito por ello sin más arrebatos, como por haber vivido.

Sin embargo, a menudo me digo que esta mirada abierta de la juventud (abierta a lo que aún no es, pero que, intuimos oscuramente, será) sigue siendo la única buena . Sin saber que es la mirada de la juventud, me sorprendió en aquel entonces no encontrarla ya en hombres que parecían haberla tenido como Valéry para Renoir, o que ciertamente la tuvieron como Fénéon para Seurat. Considerando lo que está sucediendo hoy con la aventura plástica, a veces me pregunto si el declive del interés que siento por ella se debe a una inevitable deformación de la mirada con el paso de los años o si esta aventura sigue siendo tan aventura y progreso en sí misma como pretende ser. Aunque sospecho de mis propios motivos, no estoy seguro, sobre todo cuando observo, en este lado del mundo, la escandalosa proliferación del llamado arte «abstracto», que me da la impresión de hundirme, con más miedo que curiosidad, en un paisaje de termiteros. No hace falta decir que, al otro lado de ese mismo mundo, el llamado "realismo socialista", impuesto por la fuerza, no sólo acabó con todo deseo de aventura artística sino que además minó los fundamentos mismos del arte tal como siempre se ha definido.

En julio de 1916, Paul Valéry me escribió: “... Mientras tanto, he tenido un hijo que hoy cumple catorce días. Este hecho, para ustedes, varias personas, no me impidió visitar una exposición cúbica donde su apoyo habría sido precioso para mí. No sé qué estás haciendo, pero esto valía un automóvil quirúrgico. Ciertamente hay algo nuevo en este arte, pero ¿qué? Descartes creía que el científico más grande del mundo no sería capaz de añadir nada a una operación aritmética realizada correctamente por un niño. Boileau, con menos razón, quizá pensaba que doce sílabas bien contadas, bien divididas en grupos de seis, hacían a un poeta. Y me preguntaba: ¿cómo puedo distinguir al cubista A del cubista B? Estoy lo suficientemente cansado como para ceñirme a estas palabras. A ti te toca hablar, joven viendo cosas…”

En el arte de hoy, como en el de ayer —Valéry tenía razón—, sería, para beneficio general, que este tipo de «joven vidente» se expresara, pero las oportunidades que se ofrecen son aún más escasas que entonces. La palabra siempre se da a las mismas personas para celebrarlas, como si la escalera tuviera que correr tras ellas. No hay ruido (ensordecedor) salvo el que se organiza en torno a una galaxia de artistas que trabajan desde hace medio siglo y de quienes, obviamente, sería demasiado pedir que despertaran a lo largo de sus vidas el interés y la emoción que, en tiempos ya lejanos, se asociaban a la formulación más audaz y elevada de su mensaje. Al menos desde mi punto de vista, la actitud hacia el arte debería seguir siendo una búsqueda en todas direcciones y no consistir en espiar los gestos más sutiles de quienes fueron conquistadores, cuando el viento de la conquista ya no los impulsa : su papel seguiría siendo bastante hermoso sin eso. En los tiempos que vivimos, es lamentable que la rutina y la especulación comercial decidan lo contrario. ¿Qué revista lo suficientemente independiente se atrevería a investigar en los círculos juveniles más sensibles para conocer los nombres de los artistas vivos que realmente gozan de su favor e incluso —pues en este ámbito no habría temor de subjetivizar el juicio al extremo— cuáles son las cinco a diez obras plásticas actuales que mayor atractivo ejercen en cada uno de los consultados? No dudo de que tal investigación depararía sorpresas, que sacaría de las sombras y promovería al rango que merecen a los artistas y las obras que gozan de su favor no ayer , sino mañana .

Sin embargo, si hubiera tenido que responderla yo mismo en el momento en que, recién abierta y un poco iniciada en la pintura contemporánea, era para mí objeto de una pregunta apasionante, apenas habría dudado en mi elección. Agrego que posteriormente pude ver que esta elección anticipaba el reconocimiento de un número bastante grande de valores.

¿Algunas de las obras que habría nominado entonces? Los nombraré en el orden en que me aparecieron: El Retrato (de su esposa) de Matisse, expuesto en el Salón de Otoño de 1913, del que –aunque no lo he vuelto a ver desde entonces– no puedo olvidar la corona. de plumas negras, el fino pelaje leonado y la blusa esmeralda (¿no era el cabello café con leche?). Este para mí es un ejemplo perfecto del evento-trabajo (mucho más allá incluso de La Joie de vivre y La Danse aux capucines , que Muchas veces volví a verlas en la antigua galería Bernheim de la rue Richepanse, donde permanecieron colgadas durante años).

El Retrato del Caballero X , de Derain: aunque nunca pude acercarme al original —enterrado, como el anterior, en Moscú, en la antigua colección Stchoukine—, el extraño equilibrio del personaje entre una cortina corrida y el «Diario» desplegado que sostiene en sus manos me ha intrigado y atraído mi atención desde hace tiempo. Del mismo artista, en la pared de su estudio, hacia 1918, un gran Cabaret du front , del que desconozco su paradero.

El cerebro del niño , de Chirico, que no me ha abandonado desde el día en que, expuesto en la rue la Boétie, en el escaparate de la galería Paul Guillaume, me alertó hasta el punto de obligarme a bajar del autobús para examinarlo. en su tiempo libre. Años después de haberlo adquirido, este cuadro volvería al mismo lugar con motivo de una exposición: el hecho de que, al pasar por allí, también en autobús, Yves Tanguy –a quien todavía no conocía– tuvo el mismo reflejo que para mí, suficiente para dar objetividad a tal llamamiento.

El clarinetista , así como sus extraordinarias naturalezas muertas en madera (1913-1914), de las que no parece haberse conservado nada, salvo una imagen fotográfica muy deficiente. Mujer en camisa (1915), también conocida como «Mujer con pechos dorados».

Udnie, joven americana , de Picabia.

A los que posteriormente se agregaron:

La novia desnuda por sus solteros, incluso , de Duchamp, en la que brilla y se cumple para mí la mayor parte del ciclo de la leyenda moderna.

Los primeros "collages" de Max Ernst, llegados por correo desde Colonia, y que una tarde, a algunos de nosotros nos maravillaron los ojos.

Los cuadros de Miró de 1924-25: La tierra arada , Paisaje catalán (El cazador) , Carnaval de los arlequines , todos juntos ingenuos, rebeldes y tan seguros de sí mismos, locos de alegría.

Esto es lo que para mí cobra protagonismo, esto es lo que me gustaría saber cuál es el equivalente para un ojo joven hoy en día.

He cedido, y volvería a ceder, a una necesidad que me resulta difícil de explicar: la de poseer cuadros: podría ser, banalmente, poder acariciarlos con la mirada o cambiar su ángulo a mi antojo, pero creo que es más bien con la esperanza de apropiarme de ciertos poderes que, a mi juicio, poseen voluntariamente. Muy a menudo, por la noche, he colgado este o aquel lienzo en la pared, frente a mi cama, para poder experimentar su seducción al despertar. Así, pude asegurarme de que las olas más felices me las trajo el Braques Rubio de 1912: me parece que la investigación que sugerí debería extenderse al interrogatorio de esta mañana, que proporciona una pista significativa sobre el gusto individual (a falta de obras originales, hermosas reproducciones a color permitirían expresar esta necesidad).

Como a lo largo de mi vida he estado lejos de poder conservar todos estos cuadros que había logrado traer a mi casa, distingo bastante bien de aquellos de los que no fue demasiado cruel desprenderme, aquellos. que nunca he dejado de lamentar, incluso que me cuesta perdonarme por haber tenido que renunciar a otra oportunidad distinta a la mía. Me limito a mencionar, entre estas últimas, Melancolía y misterio de una calle , de Chirico, Mujer con mandolina , de Picasso y, sobre todo, La novia de Duchamp.

Las relaciones que he tenido con la pintura, algunas prolongadas, otras fugaces, han dejado una gran huella en mi vida. Uno de mis primeros poemas (1916) está dedicado a André Derain, cuya obra anterior a la guerra de 1914 tuvo una gran influencia en mí. Guardo en un lugar destacado de mi memoria las horas que pasé a solas con él en su estudio de la rue Bonaparte, donde, entre dos soberbios soliloquios sobre arte y pensamiento medieval, me leía las cartas del tarot. Este contacto, exaltado desde el principio, lo encuentro con Vlaminck, a quien, en 1918, fui a preguntar, en nombre de Apollinaire, cómo progresaban los decorados de Couleur du temps . Aún conservo en mis oídos la brillantez de sus fantásticas historias, tomadas de la vida cotidiana, de la que fue el primero en temer. Me recuerdo, una mañana de primavera de 1919, sentado en un banco de la Avenida del Observatorio, junto a Modigliani, ansioso por descubrir las "Poesías" de Isidore Ducasse, recién publicadas en Littérature : nadie capta con mayor rapidez su importancia, nadie tiene una primera mirada más lúcida y entusiasta a esta enigmática obra. Recuerdo mis frecuentes visitas al amable comerciante y poeta Zborowsky, temiendo no poder seguir la trama completa de los primeros paisajes de Soutine, donde el más ardiente sentimiento por la naturaleza estalla en suntuosos cachemires. Reavivo, al pensar en mis primeros encuentros con él, la profunda emoción interior de Braque, una cuerda de lira tensada hasta la ruptura en el bosque. Tan solo pensar en relatarlo brevemente me asaltan demasiadas impresiones, a cual más intensa, con solo mencionar lo que Picasso descubrió en mí de esta vena que tantas veces me pareció devolverme toda la sangre posible al corazón. Conservo, aún más profundamente, el pesar de no haber podido conocer, antes de que se comportara como un vándalo en sus propias tierras, al prodigioso Chirico de los años 13-14, en quien a veces medito con la melancolía necesaria —extraído de un manuscrito inédito que conservo suyo—, estas líneas de luz:

“Los griegos rara vez imaginaban un Dios en el cielo. Fue especialmente en los lugares altos donde lo vieron. Ésta es la concepción del Olimpo griego: Zeus con su mirada cerúlea está sentado en la cumbre más alta: la expresión del torso divino empuja a lo lejos la profundidad glauca de la bóveda celeste; el Dios no es él mismo en esta profundidad; sólo sirve para hacerlo más enigmático. El mismo sentimiento lo da, de manera más intensa, la leyenda bíblica de Moisés que, confinado en un agujero por Jehová por temor a que la visión de su rostro matara al profeta, luego ve al Dios desde atrás, muy lejos. El principio de la revelación está ahí. Quizás con un mayor esfuerzo de abstracción, al girar el ángulo de la materia y su significado , aparecería el punto de la eternidad, brillando en el espacio como la lágrima cristalina de un Dios que había llorado de alegría. »

Al no poder evocar aquí –lo que me llevaría demasiado lejos– a los artistas que, durante un cuarto de siglo, fueron verdaderamente mis compañeros de lucha, me enorgullezco de haber sido el primero, en 1933, en saludar a la llegada de Kandinsky a París , haberle hecho aceptar ser, en los Surindépendants, el invitado de honor del surrealismo, o haber anticipado muchos años su actual consagración celebrando, todavía muy vivo, su "ojo admirable, apenas velado tras el cristal, [que] forma con el aire un cristal puro, centelleante con todas las iridiscencias del rutilo en el cuarzo. Este ojo – aseguré – es el de uno de los primeros, de uno de los mayores revolucionarios de la visión. París, marzo de 1952. André Breton. »