André BRETON analysiert die Beziehung zwischen Männern und der Schönheit der Kunst.

André Breton (1896.1966)

Handschriftliches Handschriftmanuskript – À L’ŒIL NU

Sechs Seiten in-4° auf cremefarbenem Papier.

Paris. März 1952.

„Ich sage mir oft, dass dieser offene Blick der Jugend der einzig gute bleibt. »

André Breton analysiert die Beziehung zwischen Männern und der Schönheit bildnerischer Werke. Er beschwört die moderne Einstellung der Jugend und blickt zurück auf seine ersten künstlerischen Lieben, auf einige Meisterwerke aus seiner Sammlung und, von Picabia bis Picasso, von Braque bis Modigliani, auf die großen Meister, die ihn auf der Suche nach Schönheit beeinflusst und geleitet haben.

Dieser Text wurde unter dem Titel „Es liegt an dir zu sprechen, junger Seher der Dinge“ in der Revue XX. Jahrhundert im Juni 1952 veröffentlicht. Wir fügen die sieben von Breton korrigierten und unterzeichneten Korrekturabzüge bei.

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MIT BLICKEM AUGE

„Hätte ich doch nur den Blick, den ich mit siebzehn oder achtzehn für diese damals brandneuen plastischen Werke hatte, die fast einhelliger Kritik und Intoleranz ausgesetzt waren! Die Begegnung mit diesen Werken oder auch nur mit mittelmäßigen fotografischen Reproduktionen davon hob mich, so scheint es mir, über mich selbst hinaus und bot mir einen höchst berauschenden Blick auf das Mögliche dessen Gewissheit . Ich sagte schon vor langer Zeit, dass ich ein Gemälde nur als „ein Fenster betrachten könne, aus dem meine erste Sorge ist, zu wissen, was es blickt “, und es ist wohl verständlich, dass ich damit meinte: „Jedenfalls nichts von dem, was heute erscheint.“ [ ^* Rimbaud]. Die erste Voraussetzung für Freude – ob sie nun im Licht oder im Dunkeln empfunden wurde – war, dass diese Erscheinungen revolutioniert wurden, dass man (soweit wie möglich) aus dem konventionellen Leben herausgeführt wurde. Ich hatte die damals (1913/14) im Überfluss vorhandenen Theorien noch lange nicht erforscht. und da ich keine Verbindung zu irgendjemandem auf der Welt hatte, der meinen Geschmack teilte, wusste ich nicht einmal, wie ich mich gegen den Vorwurf des „Snobismus“ verteidigen sollte. Seitdem hat die kritische Rationalisierung uns und anderen gute Gründe , das zu lieben, was ich liebte und was sie verabscheuten. Ich gratuliere mir dazu ohne weitere Begeisterung, genauso wie dazu, gelebt zu haben.

Dennoch sage ich mir oft, dass dieser offene Blick der Jugend (offen für das, was noch nicht ist, aber, wie man vage spürt, sein wird) gute bleibt . Da ich nicht wusste, dass es der Blick der Jugend ist, war ich damals überrascht, ihn nicht mehr bei Männern zu finden, die ihn wie Valéry für Renoir oder ganz sicher wie Fénéon für Seurat gehabt zu haben schienen. Wenn ich bedenke, was heute mit dem plastischen Abenteuer geschieht, frage ich mich manchmal, ob mein nachlassendes Interesse daran auf eine unvermeidliche Verzerrung des Blicks im Laufe der Jahre zurückzuführen ist oder ob dieses Abenteuer so sehr Abenteuer und Fortschritt in sich selbst bleibt, wie es zu sein behauptet. Auch wenn ich meine eigenen Motive zweifle, bin ich mir nicht sicher, besonders wenn ich auf dieser Seite der Welt die ungeheuerliche Verbreitung der sogenannten „abstrakten“ Kunst beobachte, die in mir den Eindruck erweckt, eher mit Angst als mit Neugier in einer Landschaft aus Termitenhügeln zu versinken. Es versteht sich von selbst, dass auf der anderen Seite derselben Welt der mit Gewalt aufgezwungene sogenannte „Sozialistische Realismus“ nicht nur jegliche Lust am künstlerischen Abenteuer beendete, sondern auch die Grundlagen der Kunst, wie sie sich immer selbst definiert hat, untergrub.

Im Juli 1916 schrieb mir Paul Valéry: „…Inzwischen habe ich einen Sohn bekommen, der heute vierzehn Tage alt ist. Diese Tatsache hat mich für Sie, verschiedene Menschen, nicht davon abgehalten, eine kubische Ausstellung zu besuchen, bei der Ihre Unterstützung für mich wertvoll gewesen wäre. Ich weiß nicht, was Sie tun, aber das war einen chirurgischen Eingriff wert. Es gibt sicherlich etwas Neues in dieser Kunst, aber was? Descartes glaubte, dass der größte Wissenschaftler der Welt einer von einem Kind korrekt ausgeführten Rechenoperation nichts hinzufügen könnte. Boileau glaubte vielleicht mit weniger Grund, dass zwölf gut gezählte Silben, gut in Sechsergruppen unterteilt, einen Dichter ausmachten. Und ich sagte mir immer wieder: Wie kann ich Kubist A von Kubist B unterscheiden? Ich bin müde genug, um bei diesen Worten zu bleiben. Es liegt an Ihnen zu sprechen, junge Menschen, die Dinge sehen …“

In der Kunst von heute wie von gestern – Valéry hatte Recht – wäre es für die Allgemeinheit von Vorteil, wenn sich dieser Typ „junger Seher“ zum Ausdruck bringen könnte, doch die gebotenen Gelegenheiten sind noch seltener. Immer wieder wird das Wort an dieselben Personen gerichtet, um dieselben Personen zu feiern, als müsste die Leiter hinter ihnen hergezogen werden. Es gibt keinen (ohrenbetäubenden) Lärm, außer um eine Galaxie von Künstlern herum, die seit einem halben Jahrhundert arbeiten und von denen es offensichtlich zu viel verlangt wäre, zeitlebens das Interesse und die Emotionen zu wecken, die in längst vergangenen Zeiten mit der kühnsten und erhabensten Formulierung ihrer Botschaft verbunden waren. Zumindest aus meiner Sicht sollte die Haltung gegenüber der Kunst weiterhin eine Suche in alle Richtungen sein und nicht darin bestehen, die kleinsten Gesten der Eroberer auszuspionieren, wenn der Wind der Eroberung sie nicht mehr trägt : Ihr Werk wäre auch ohne sie noch so schön. In der heutigen Zeit ist es bedauerlich, dass Routine und kommerzielle Spekulation anders entscheiden. Welche Zeitschrift, die unabhängig genug ist, würde sich dazu entschließen, in den empfänglichsten Kreisen der Jugend eine Untersuchung einzuleiten, um von ihnen die Namen der lebenden Künstler zu erfahren, die wirklich in ihren Bann gezogen werden, und sogar – denn man würde auf diesem Gebiet keine Angst vor einer extremen Subjektivierung des Urteils haben –, welche fünf bis zehn plastischen Werke von heute auf jeden der Befragten die größte Anziehungskraft ausüben? Ich zweifle nicht daran, dass eine solche Untersuchung für Überraschungen sorgen würde, dass sie die Künstler und Werke, die nicht gestern, sondern morgen .

Hätte ich sie jedoch damals selbst beantworten müssen, als sie für mich, nachdem ich mich gerade erst geöffnet und einigermaßen in die zeitgenössische Malerei eingeweiht hatte, Gegenstand einer spannenden Frage war, hätte ich bei meiner Wahl kaum gezögert. Ich füge hinzu, dass ich im Nachhinein erkennen konnte, dass diese Wahl die Anerkennung einer ziemlich großen Zahl von Werten vorwegnahm.

Welche Werke hätte ich damals nominiert? Ich nenne sie in der Reihenfolge, in der sie mir erschienen sind: Das Porträt (seiner Frau) von Matisse, ausgestellt im Salon d'Automne von 1913, dessen Krone ich – obwohl ich es seitdem nie mehr gesehen habe – nicht vergessen kann aus schwarzen Federn, dem dünnen gelbbraunen Fell und der smaragdgrünen Bluse (war die Frisur nicht Milchkaffee?) Das ist für mich ein perfektes Beispiel für das Arbeitsereignis (weit über La Joie de vivre und La Danse aux capucines ). Ich habe sie so oft in der alten Bernheim-Galerie in der Rue Richepanse besichtigt, wo sie jahrelang hingen.

Das Porträt des Ritters X von Derain: Obwohl ich nie an das Original herankam – das wie das vorherige in Moskau in der alten Stchoukine-Sammlung vergraben liegt –, hat mich die seltsame Balance der Figur zwischen einem zugezogenen Vorhang und dem aufgefalteten „Journal“, das sie in den Händen hält, schon lange fasziniert und meine Aufmerksamkeit gefesselt. Von demselben Künstler hing um 1918 an der Wand seines Ateliers ein großes Cabaret du front , von dem ich nicht weiß, was daraus geworden ist.

Das Gehirn des Kindes von Chirico, das mich seit dem Tag nicht mehr verlassen hat, als es in der Rue la Boétie im Schaufenster der Paul-Guillaume-Galerie ausgestellt war und mich so sehr alarmierte, dass ich gezwungen war, aus dem Bus auszusteigen, um es zu betrachten in Ihrer Freizeit. Jahre nachdem ich es erworben hatte, sollte dieses Gemälde anlässlich einer Ausstellung an denselben Ort zurückkehren: Die Tatsache, dass Yves Tanguy – den ich noch nicht kannte – bei der Vorbeifahrt dort, ebenfalls mit dem Bus, den gleichen Reflex hatte wie Für mich reicht das aus, um einem solchen Appell Objektivität zu verleihen.

„Die Klarinettenspielerin“ und auch seine außergewöhnlichen Stilllebenkonstruktionen aus Holz (1913–1914), von denen außer der sehr unzureichenden Fotografie nichts erhalten zu sein scheint. „Frau im Hemd“ (1915), auch bekannt als „Frau mit goldenen Brüsten“.

Udnie, junges amerikanisches Mädchen , von Picabia.

Hinzu kamen nachträglich:

„The Bride Stripped Bare by Her Bachelors“, sogar „ “, von Duchamp, in dem der größte Teil des Zyklus der modernen Legende erstrahlt und für mich erfüllt wird.

Die ersten „Collagen“ von Max Ernst, die per Post aus Köln eintrafen und die eines Abends bei einigen von uns für Staunen sorgten.

Mirós Gemälde von 1924-25: Die gepflügte Erde , die katalanische Landschaft (Der Jäger) , der Karneval der Harlekine , alle zusammen naiv, rebellisch und so selbstsicher, – verrückt vor Freude.

Das ist es, was für mich im Mittelpunkt steht, das ist es, was ich heute gerne wissen würde, was das Äquivalent für ein junges Auge ist.

Ich habe einem Bedürfnis nachgegeben und würde wieder nachgeben, das ich nur schwer erklären kann: dem Bedürfnis, Gemälde zu „besitzen“: Es könnte ganz banal sein, sie mit meinem Blick streicheln oder ihren Blickwinkel nach Belieben ändern zu können, aber ich glaube, es geschieht eher in der Hoffnung, mir bestimmte Kräfte anzueignen, die sie in meinen Augen freiwillig besitzen. Sehr oft habe ich abends dieses oder jenes Gemälde an die Wand gehängt, vor mein Bett, um beim Aufwachen seine Verführungskraft an mir zu spüren. So konnte ich mich vergewissern, dass die Blond Braques von 1912 die glücklichsten Wellen auf mich ausbreiteten: Es scheint mir, dass die von mir vorgeschlagene Untersuchung auf die Befragung von heute Morgen ausgeweitet werden sollte, die einen wichtigen Hinweis auf den individuellen Geschmack liefert (in Ermangelung von Originalwerken würden schöne Farbreproduktionen es ermöglichen, das Bedürfnis zum Ausdruck zu bringen).

Da ich im Laufe meines Lebens nicht in der Lage war, alle diese Gemälde, die ich in mein Zuhause gebracht hatte, behalten zu können, unterscheide ich sie ganz gut von denen, von denen ich mich nicht allzu grausam trennen konnte. , jene Das habe ich nie aufgehört zu bereuen, auch wenn es mir schwer fällt, mir selbst zu verzeihen, dass ich eine andere Chance als meine aufgeben musste. Ich beschränke mich auf die Erwähnung von „ Melancholy and Mystery of a Street “ von Chirico, „ Frau mit Mandoline “ von Picasso und vor allem „Die Braut“ von Duchamp.

Meine Beziehungen zur Malerei, manche langanhaltend, andere flüchtig, haben mein Leben stark geprägt. Eines meiner ersten Gedichte (1916) ist André Derain gewidmet, dessen Werk vor dem Krieg von 1914 mich nachhaltig beeinflusst hat. In tiefer Erinnerung bleiben mir die Stunden, die ich allein mit ihm in seinem Atelier in der Rue Bonaparte verbrachte, wo er mir zwischen zwei großartigen Monologen über Kunst und mittelalterliches Denken Tarotkarten las. Diesen von Anfang an intensiven Kontakt empfinde ich auch mit Vlaminck, den ich 1918 im Namen Apollinaires nach dem Stand der Bühnenbilder für Couleur du temps . Noch heute höre ich die Genialität seiner phantastischen, dem Alltagsleben entlehnten Geschichten im Ohr, vor denen er sich als Erster fürchtete. Ich erinnere mich noch an einen Frühlingsmorgen im Jahr 1919, als ich auf einer Bank in der Avenue de l'Observatoire neben Modigliani saß und begierig darauf war, Isidore Ducasses „Poésies“ zu entdecken, die gerade in der Literatur : Niemand erfasst ihre Bedeutung schneller, niemand wirft einen klareren und begeisterteren ersten Blick auf dieses rätselhafte Werk. Ich erinnere mich an meine häufigen Besuche bei dem freundlichen Kaufmann und Dichter Zborowsky, bei denen ich befürchtete, ich könnte der gesamten Handlung von Soutines ersten Landschaften nicht folgen, in denen das glühendste Naturgefühl in kostbarem Kaschmir hervorbricht. Beim Gedanken an meine ersten Begegnungen mit ihm entfache ich Braques große innere Ergriffenheit wieder, eine Leiersaite, die im Wald bis zum Reißen gespannt ist. Um auch nur daran zu denken, einen kurzen Bericht darüber zu geben, überfallen mich zu viele Eindrücke, einer stärker als der andere, bei der bloßen Erwähnung dessen, was Picasso in mir von dieser Ader entdeckte, die mir so oft schien, als würde sie alles mögliche Blut zum Herzen zurückführen. Noch tiefer bedauere ich, den wunderbaren Chirico der Jahre 13-14 nicht kennengelernt zu haben, bevor er sich auf seinen eigenen Ländereien wie ein Vandale aufführte. Manchmal denke ich mit der gebotenen Melancholie über ihn nach – aus einem unveröffentlichten Manuskript von ihm, das ich habe – diese lichten Zeilen:

„Die Griechen stellten sich selten einen Gott im Himmel vor. Besonders auf hochgelegenen Orten sah man es. Dies ist die Vorstellung des griechischen Olymp: Zeus sitzt mit seinem himmelblauen Blick auf dem höchsten Gipfel: Der Ausdruck des göttlichen Torsos verdrängt die glasige Tiefe des Himmelsgewölbes in die Ferne; der Gott ist in dieser Tiefe nicht er selbst; es macht es nur noch rätselhafter. Dasselbe Gefühl wird, auf eine stärkere Art und Weise, durch die biblische Legende von Moses vermittelt, der, von Jehova in ein Loch gesperrt, aus Angst, der Anblick seines Gesichts würde den Propheten töten, dann den Gott von hinten in der Ferne sieht. Das Prinzip der Offenbarung ist da. Vielleicht würde mit einer größeren Anstrengung der Abstraktion, indem man den Blickwinkel der Materie und ihrer Bedeutung , der Punkt der Ewigkeit erscheinen und im Raum leuchten wie die kristalline Träne eines Gottes, der vor Freude geweint hatte. »

Da es mir hier nicht gelingt, an die Künstler zu erinnern – was mich zu weit führen würde –, die ein Vierteljahrhundert lang wirklich meine Kampfgefährten waren, schmeichele ich mir, dass ich 1933 der Erste war, der dies würdigte Ankunft Kandinskys in Paris , ihn dazu gebracht zu haben, bei den Surindépendants Ehrengast des Surrealismus zu sein, oder seine jetzige Weihe um viele Jahre vorweggenommen zu haben, indem er, obwohl er noch sehr lebendig war, sein „bewundernswertes Auge“ feierte hinter dem Glas verschleiert, das mit der Luft einen reinen Kristall bildet, der mit dem ganzen Schillern von Rutil in Quarz funkelt. Dieses Auge – versicherte ich – ist das eines der allerersten, eines der größten Revolutionäre des Sehens. Paris, März 1952. André Breton. »